Présentation des collections

Ill. 10.  Claude Gellée dit le Lorrain, Le pont de bois, 1651

Gravure à l’eau-forte sur papier vergé 132 x 198 mm

Bibliothèque de Nancy

     Callot, bien que railleur et observateur impitoyable, sait reproduire son pays lorrain : sa simplicité dans les paysages, les villages lorrains, comme sur cette représentation de la foire à Gondreville, localité proche de Nancy.

     Quand Callot choisit l’eau-forte comme technique de gravure, il se trouve confronté à une difficulté technique, celle de représenter les nuances de gris les plus légères. Il ne trouve pas l’équilibre satisfaisant entre les différentes valeurs et les différents plans. De façon fortuite à l’occasion d’une commande pour des orfèvres, l’aquaforiste découvre leur vernis solide, dur. Ceci lui permet de protéger de l’acide les zones des plaques qui devaient rester les plus claires lors des bains successifs et d’obtenir des morsures très légères ou très profondes selon son choix. Ces grandes variétés rendent, au moment de l’impression, un effet de perspective atmosphérique et de profondeur de champ jusque-là inaccessible avec les procédés de gravures habituels. C’est une révolution dans l’art de la gravure.

     La peinture de paysage fait son apparition en Italie au XVIe siècle avec l’école des Carrache. Elle atteint son apogée au XVIIe siècle. Claude Gellée, qui a fait sa formation en Italie, est considéré, avec Poussin, comme un maître du paysage dans la peinture française.

     Le traitement du paysage résulte d’un compromis entre le Vrai et le Beau, le beau étant également l’utile, comme un troupeau dans une prairie par exemple. La réalité est corrigée, augmentée pour atteindre un niveau de perfection esthétique, en y ajoutant, par exemple des éléments architecturaux, ici inspirés de l’Antiquité.

     La composition se doit d’être équilibrée, les scènes représentées rentrant dans le cadre, en respectant la perspective. Le dessin y occupe une place d’importance. Gellée est particulièrement réputé pour le traitement de la lumière dans ses peintures. Ce qui se retrouve également dans cette gravure.

     Le paysage devient le thème de l’œuvre, les personnages représentés n’y occupant qu’une place très réduite.

Ill. 32.  Jacques Callot, Les deux pantalons se tournant le dos, Les caprices, 1617

Estampe, 60 x 85 mm

Bibliothèques – Médiathèques de Metz

    Outre les bains d’acide et la nature du vernis détaillés précédemment, la technique de dessin en elle-même permet d’obtenir des nuances de gris : par des hachures plus ou moins serrées, plus ou moins épaisses, des pointillés … Avec son expérimentation du vernis dur, Jacques Callot peut alléger ses tailles et contre-tailles tout en obtenant des effets encore plus variés. Il a moins besoin de croiser ses lignes et utilise alors un procédé de ligne unique. Cette simplification du trait apporte plus de netteté à ses dessins pour les petits motifs.

     Ces extraits de ses études sur le thème de la paysanne au panier montrent les dessins préparatoires de l’artiste et cette nouvelle façon d’utiliser le trait.

     Patalon et Zani sont des figures de la Comedia dell’arte qui diffuse en Europe. Ce sont des comédiens, des comiques se déplaçant en troupe ou en compagnie. Instruits, certains jouent dans les théâtres et les palais, pour la plupart sur des tréteaux dans les rues. Callot les a vus lors des fêtes italiennes et reproduit les gestuelles de ces personnages très populaires.

     Ces gravures datent de la période italienne de Jacques Callot, lors de son apprentissage chez Thomassin. Ce dernier recevait la visite du graveur Villamena dont le travail aurait inspiré ce type de composition à Jacques Callot : de grands personnages au premier plan, dont la prestance fait fuir le paysage situé derrière eux. L’arrière-plan est très soigné, détaillé mais vu de très loin, en contrebas du personnage principal, magnifié par le choix du point de vue du dessous. 

    Cette œuvre gravée est un peu à part dans l’œuvre de Jacques Callot. Le procédé est assez peu usité par l’artiste et on le retrouve dans une autre gravure : Le bénédicité.

     Le chalcographe y explore les extrêmes des possibilités de la gravure pour reproduire une scène de nuit. La difficulté technique réside dans les tailles très croisées, très denses pour rendre la profondeur de la nuit mais qui ne permettent pas la création d’un dégradé de lumière. Lors de la mise sous presse, on obtient un effet « on-off » avec des plages très sombres et des plages de lumière très claires sans la transition que permettrait la peinture.

     Les vers gravés autour du dessin font référence à une série de Callot : le fils prodigue. Autour d’une table de jeu, le fils prodigue vient en aide à une dame dont le jeu est révélé par un brigand à l’aide d’un miroir placé derrière elle. Une autre femme joue de la harpe. Callot connaissait-il les scènes de nuit de Georges de La Tour ?  On retrouve en effet, dans une scène de nuit, les thèmes récurrents du concert à table, du jeu et du tricheur. La position du bras du soldat rappelle également Le Reniement de Saint Pierre de Georges de La Tour.

    La maraude est une gravure faisant partie du très célèbre recueil de dix-huit estampes Les misères et les malheurs de la guerre. Ces dessins datent d’avant l’invasion de la Lorraine par la France et de la dévastation du duché. Ils ne sont pas réalisés « sur le vif » à partir de croquis comme cela a pu arriver pour les représentations des foires. Callot s’est très probablement inventé ses gravures à partir de scènes vues dans d’autres pays en guerre. Il existe par ailleurs une littérature commune abondante au XVIIe siècle sur les méfaits des troupes de soldats. Ces motifs ont été travaillés plusieurs fois par l’artiste et on en retrouve déjà présents dans la gravure du siège de Breda.

Ill. 55. Jacques Callot, Défaite de la cavalerie turque, La vie de Ferdinand 1er de Médicis, 1615

Estampe 194 x 303 mm

Bibliothèques de Nancy

Ill. 62. Jacques Callot, Les bohémiens en marche : L’arrière garde ou Le départ, Les bohémiens, 1621/1625

Estampe 125 x 240 mm

Bibliothèques – Médiathèques de Metz

     Jacques Bellange est un peintre de cour reconnu en Lorraine : on parlait de « la galerie des Cerfs de Bellange » au palais ducal de Nancy. Premier à utiliser l’eau-forte en France, il produit des gravures assez tard dans sa carrière. Une cinquantaine de gravures lui sont attribuées, dont de nombreuses d’inspiration religieuse post-tridentine.

    Une grande unité de style caractérise l’ensemble de son œuvre gravé : théâtral et presque excessif, le style de Bellange se nourrit des maniérismes d’Europe : allemand, hollandais, italien et bellifontain.

     Toutes ses inventions sont des créations propres pour ses gravures, il ne réinterprète pas ses tableaux. Il y intègre la lumière, des jeux de regards et de postures. La gravure semble être pour lui un espace d’expression artistique très libre. Toujours vifs et spontanés, ses traits sont profonds ou légers, réalisant de riches nuances de gris, reproduisant l’effet obtenu par l’alternance de l’utilisation de la plume et du lavis dans ses dessins. Malgré une production de gravures tardive dans sa carrière, l’artiste fait montre d’une grande maitrise de la taille et de la contre-taille pour obtenir les contrastes nécessaires à l’équilibre des plans, des valeurs et des matières : hachures opposées aux pointillés ou aux lignes esquissées.

     Jacques Callot est un observateur attentif de sa société mais pas réellement un pamphlétaire.

     La Lorraine, et en particulier Verdun, participe à l’économie de l’esclavage dès le Moyen-âge. Une importante quantité d’esclaves venus de l’Est y transitent en direction des villes du sud de la France.

    Par ailleurs, la période est également sensible aux charmes de l’orient et les imaginaires des artistes y trouvent grand nombre de motifs d’illustration. Le deuxième nom de cette gravure est La Petite Vue de Paris et le sujet est en réalité la représentation de la libération de prisonniers chrétiens des ottomans, signalés par leurs costumes turcs.

Ill. 66. Jacques Callot, Illustrissimo maximoque viro D. Ludovico Phelypeaux Dno ou La Tentation de Saint-Antoine (2e planche), 1635

Estampe, 356 x 461

Bibliothèques de Nancy

Ill. 67. Jacques Callot, Siège de la Rochelle : bordure d’encadrement en haut à gauche, 1630

Estampe, 123 x 280 mm

Bibliothèques de Nancy

Ill. 68. Jacques Callot, Frontispice des Gobbi, Les Gobbi, 1621

Estampe sur papier, 86 x 60 mm

Bibliothèques – Médiathèques de Metz

      Deruet est un peintre de la Cour lorraine, formé en Italie chez Thomassin et le Cavalier d’Arpin. Il y apprend la bonne composition, les nobles attitudes et le fa presto. A son retour en Lorraine, il prend la place de Jacques Bellange qui vient de disparaitre. Son activité est dominée par la peinture, mais il laisse quand même des œuvres gravées remarquables. 

     On y retrouve, comme dans sa peinture, une science de l’atmosphère dans ses paysages et l’intégration de la nature dans ses compositions. Dans cette gravure, il fait montre d’une grande habileté technique sans donner le sentiment de l’effort : la sprezzatura. La sprezzatura, selon Vasari, fait partie des qualités qu’un artiste moderne accompli se doit d’avoir pour maitriser la bella maniera, avec la rapidité, l’aisance dans la pratique, l’expérience, l’imagination créative, la grâce et la maîtrise du dessin.